一篇美术鉴赏论文 - 范文无忧网

[急求一篇书法鉴赏的论文]汉以前的书迹流传至今相当丰富，举凡甲骨文、金文、碑刻、简书、帛书等，其数量绝不亚于历代递藏的法书。与汉以前的书迹不同的是，东汉末期出现了书法进入自觉后的一些书法名家，如...+阅读

一篇美术鉴赏论文 600左右谢谢

经过一学期《美术鉴赏》课的学习，欣赏到了许多东西方不同类型的美术作品、绘画风格，对东西方美术的发展有了初步的了解，并从中感受到了东西方艺术的特点与异同。西方是以人作为艺术表现对象的主体，主体是人物，从古到今，都是这样。因此，在一个人身上，体现出的每一个时代的审美观点也不一样。比方从希腊、罗马时代到拉斐尔、提香、达•芬奇，这些人表现的人体是很古典的，很完整的。那么波提切利则不同了，他表现人体的韵律感、线、节奏，多方面地表现人体。因为时代不同，每个人的感受也不同：比方画人，达芬奇的《蒙娜丽莎》与凡高的《自画像》，都是肖像画，但两者就完全不一样了，同样的肖像，他们画得都很像，都达到了艺术的高峰，但是，每个人都不一样，每个时代的差异很大很大。另外，西方古代绘画都是以人为主题，树木、风景只是作为一种陪衬，作为一种背景，是次要的，到后来获得了独立的发展，才有了风景画、花卉等独立的画种。

每一种风景里面，早上、中午、晚上，即使同一个对象也不一样，这是很写实的。中国画的构图以山水风景为主，一般都是立幅的，山从下面开始，一层一层往上。它的构图比较雷同，可以归纳为四个字：起、承、转、合。“起”，往往都是从几棵树，或者一个沙坡，或者石头、水、亭子开始。“起” 之后，另外一个山来接过去，叫做“承”。“承”之后，因为很长，要适应这个画面，那么要变化，叫“转”，扭曲一下。转到最后，要“合”。

这是中国山水画构图的四个字。我们看东西，远景、中景比较丰富？？因为远了，形象丰富、重叠，而近的东西则单调。

所以中国画更在于它的意境美，让人回味无穷，想一探其究竟。

论美与丑的审美关系

在感受活动中，只有审美受到哲学家的关注，哲学家成立了美学专门研究审美和美。美学有三大问题，一是美学的研究对象是什么，二是美的本质是什么，三是艺术该如何定义。美的本质问题已经困扰了哲人们几千年，从柏拉图提出千古疑问“美是什么”开始，无数的哲学家、美学家前赴后继地提出了无数的关于美的定义，这些定义至今没有得到普遍的认同。一些美学家已经开始放弃寻找美的本质，于是，人们至今没有找到美的本质。在审美经验中，我们都看到美的事物身上有美，它能被我们直接看到，像是一件类似于物体外形的具体事物，它像幽灵一样依附在事物身上，让事物如此动人。当人们开始在美的花朵、美的女性、美的乐曲中寻找它时，美忽然不见了，哲学家和美学家也都在众多美的事物中迷失，不能给柏拉图一个完美的答案。

美学界的前辈们都是智慧超群的哲人，他们不能回答的问题我们还是不要回答吧。我们找找美存在于什么地方。众所周知，部分年轻的女性是美丽的，欧洲有些美学家甚至认为美就是一个少女。如果说美在美女身上，相信大家都会同意，因为在审美经验中，我们看到了女性身上的美，这种存在于女性身上的美让我们神魂颠倒，不能自拔。但美真的存在于女性身上吗？人们常常可以看到一群男青年在路边看某个女人走过，然后对这个女人品头论足。有些男青年认为这个女人很美，全身上下都美，于是这个女人身上具有了美，美存在于她身上；然而有些男青年则怀不同意见，认为这个女人根本就不美，全身上下都不美，这时候这个女人身上就没有了美了，美就不存在于她身上。

同一个人在同一个时间的容貌怎么会有两种情况呢？只有一种解释，美是存在于审美者大脑中的，美就是美感。美感和丑感一样，都是审美感受。如果美不过是一种感觉，那些被冠名为“美的事物”身上具有的能让人感觉到美的事物是什么呢？是形象，同一个形象有可能激发美感，也有可能激发丑感。有些人认为美的事物在有些人眼里是丑陋的，有些人认为丑陋的事物在有些人眼里是美丽的。形象激发美感的情况不是永恒的，激发丑感的现象也不是不变的。形象与审美感受的联系不是绝对的。存在于事物身上、名叫“美”的事物是不存在的，人们平常所说的“事物的美”是指激发了美感的形象。人们之所以看到事物身上有“美”是由于人们在审美的时候只注意事物的形象，没注意内心产生的美感，当形象伴随美感出现在大脑中时，就觉得这种形象与没有激发美感的形象有所不同，像是多了件叫美的事物。

美感是大脑受到形象的刺激时处于的一种积极状态或产生的某种化学物质，丑感是大脑受到形象的刺激时处于的一种消极状态或产生的某种化学物质。美感与丑感都只出现在大脑内部。人类并不能命令自己觉得某件事情很美或很丑。人类的基因决定了大脑的结构，决定了一些功能，还可能决定了人类在审美方面的偏好，使人一出生就在审美方面表现出某种倾向。审美观也会影响大脑产生审美感受的过程，如一些一质朴为美的人看不惯花俏的装扮，而一些以花俏为美的人则觉得朴素土气，以此为丑。

我需一篇800字的高二美术鉴赏的论文

当我们对高中《美术玩赏欣赏》模块的老师方针和根蒂要切确以后，接下来即是选择老师内容和确定老师要领。从广义上说，《美术玩赏欣赏》老师内容可以包罗万象，分外是在进来了视觉文化时期的近日，通常可以引起我们的视觉美感和心灵兴奋的形象，都可以成为我们《美术玩赏欣赏》的老师内容。进来21世纪的高中美术新课程，已经不再是只注重呆板美术老师内容，只把经典美术作品作为唯一的老师选择，而是须要美术老师慧眼识珠，随时随地把生存中的图像资源转化为老师内容。显然，这样的高中美术课程对付美术老师发起了更高的要。在地大人广的国度履行基础教导，为了保险新课程可以大概壮健发展，遵循联合的课程准则编写国家教科书当属根蒂方法。因此，高中美术老师在开设美术模块老师时，遵照《普通高中美术课程准则》编写，又履历教导部察看保举使用的《美术玩赏欣赏》课本，应该是我们的首选。

而今，履历教导部察看履历的高中《美术玩赏欣赏》总共有5本，他们分别由5家出版社出版，我们风气上把他们分别称为人美版、人教版、湘美版、山东版和广东版。这些课本各有特色，凝固着许多学科专家和非凡美术老师的智慧和体验，倘若担负高中美术玩赏欣赏老师的老师有条件，找齐这5种分别版本的讲义履行探讨，既是对老师内容的全面明白，也是自己对美术史和作品背景的系统温习，对付担当好美术玩赏欣赏老师的老师不无优点。广东省是第一批进来高中新课程的省份，他们在选用教科书方面积累了一些体验和明白，为此我们专程访问了该省美术教研员周凤甫老师。作为基层的美术老师大局部没有直接选择教科书的机会，明白教科书选择的式样和要有必然意义。遵循上级要，教科书的选用因而地市为单位，要以凋谢的心态来选用教导部联合保举的讲义。

广东省的美术教科书的选用是选用组织讲义选用委员会，履历各方面意见的回声和综合，最后协商确定本地区选用的课本。选用什么教科书，也从必然程度上回声了选取者的价值取向，作为到场教科书选用意见的个别，分别代表着分别的角度，最后只能是协商治理。既没有可以一本“包打天下”的教科书，也不存在一无是处的教科书，一旦确定了使用的讲义，我们都要发掘自己手上讲义的特点和上风，抓住教科书的主要脉络，并且要主动发掘本土文化资源，融入美术课程老师当中。美术老师内容只有创建在****的体验之上，才有也许成为艺术的学习。深入探讨和知道手上的教科书确实额外重要，我们用好用精用活任何一套教科书，都可以营造出****迎接、学习投入的美术课。

这里发挥重要作用取决于美术老师自身。因此，我们有须要全面探讨《美术玩赏欣赏》课本，创建对美术玩赏欣赏老师内容的宏观视野，以利对付老师内容的更好掌握。大概，我们大局部美术老师难以具备这样条件，一些专门长久从事美术史和美术作品探讨的高校老师，他们在这方面有些意见看法颇值得我们参考。就此，我们和广东外语外贸大学艺术学院李于昆老师、以及广东外语艺术职业学院马永建副老师履行访谈，他们在这方面谈了很多富裕引导的意见。马永建副老师的看法：美术玩赏欣赏老师对付高中****具有重要的意义，分外是在近日这样一个视觉文化的时期，对付图像的知道调和读已经展现为文化修养。从前低于文化的知道范畴于文本，历来大量的文化信息蕴藏在图像之中，图像文化和文本文化都是人类文化的重要模样。

由于对付图像文化的重视，美术教导也越来越具有重要位置。从前通常人把美术教导知道为学画画，把美术学习看做单纯的技术学习，这是一种误解。美术教导不就是写写画画，美术学习实际上担当文化传承的重要作用，人类史籍的呆板文化有许多内容即是履历美术模样履行传承。在实际老师中我们通常会选择一些美术经典作品，出现出不约而合不谋而合，经典作品应该是视觉文化的聚合展现。美术作品要成为经典务必具有必然条件，最终是在那个时期具有较高的艺术价值，表达了人类的价值观；同时作品可以大概给人启迪，可以大概领悟理解，****履历经典作品的学习可以得到知道六合的根蒂要领。美术教导作为文化传承的意义就在这里。作为老师的美术老师要抓住这些经典作品，帮助****感到俊美的模样、知道图像的含义、知道时期的背景，掌握玩赏欣赏美术作品的根蒂要领，这是我们老师应该治理的重要标题。

学习美术和学习史籍有个类似之处，无论是翰墨照旧图像都记录着人类对付自身发展的思考和体验，美术上面的每一次察觉，都也许带来人们对付六合知道的深化，大概这样的知道相对付翰墨越产生动、形象、直观，这恰正是一种大美术的展现。我们的美术学习必然要从课堂走向生存，站在近日的态度去知道经典作品，从而看到艺术离我们并不迢遥，就在我们的生存之中。李于昆老师的看法：人类对付文化的知道具偶尔期发展的特点，由语言时期进来到翰墨时期，近日又来到图像时期，这儿展现了人类文化的发展，因此视觉文化时期夸大图像的意义具偶尔期性。在高中美术课程中我们看到的各类图像，大多数是人类文化的经典作品，在分别的教科书中间出现...

论文：简析中国艺术审美之意境特性跪！

基本内涵中国传统美学思想的重要范畴，在传统绘画中是作品通过时空境象的描绘，在情与景高度融汇后所体现出来的艺术境界。意境理论最先出现於文学创作与批评。三国两晋南北朝时代文学创作中有“意象”说和“境界”说。唐代诗人王昌龄和皎然提出了“取境”“缘境”的理论，刘禹锡和文艺理论家司空图又进一步提出了“象外之象”、“景外之景”的创作见解。明清两代，围绕意与境的关系问题又进行了广泛探讨。明代艺术理论家朱存爵提出了“急境融彻”的主张，清代诗人和文学批评家叶夔认为意与境并重，犟调“舒写胸臆”与“发挥景物”应该有机结合起来。近代文学家林纾和美学家王国维则犟调“意”的重要性。林纾认为“唯能立意，六能创建”；王国维认为创辞应服从於创意，力倡“内美”，提出了诗词创作中的以意胜的“有我之境”和以境胜的“无我之境”两种不同的审美规范。

意境概念运用到绘画上，主要是在山水画得到迅速发展的五代和宋、元，但早在三国两晋南北朝时代，受道家思想和玄学的影响，山水画创作已经从地图制作式的幼稚阶段，跨进了讲“实对”，重“写生”的时期，画家们开始注重了实境的描绘，并提出了“澄怀味象”、“得意忘象”的理论和艺术创作旨在“畅神”、“怡情”的思想。这种理论和实践是后来传统绘画犟调意境构成的先导，唐代美术史家张彦远提出了“立意”，五代山水画家荆浩提出了“真景”说，宋代画家郭熙提出了山水画创作“重意”问题，认为创作应当“意造”，鉴赏应当“以意穷之”，并第一次使用了与“意境”内涵相近的“境界”概念。宋、元文人画的兴起和发展，文人画家的艺术观念和审美理想，尤其是苏轼在绘画上力倡诗画一体的艺术主张，以及元代画家倪瓒和钱选的“逸气”和“士气”说的提出，使传统绘画从侧重客观物象的描摹转向注重主观精神的表现，以情构境、托物言志的创作倾向促进了意境理论和实践的发展。

清代画家兼理论家笪重光在《画筌》一书使用了“意境”这一概念，并针对山水画创作提出了“实境”、“真境”和“神境”的理论，对绘画中意与境的涵意和相互关系作了较深入的分析，对绘画中的虚实、形神、情景等问题，亦即意境的表现问题都作出了有益的探索。意境理论的提出与发展，使中国传统绘画，尤其是山水画创作在审美意识上具备了二重结构：一是客观事物的艺术再现，一是主观精神的表现，而二者的有机联系则构成了中国传统绘画的意境美。为此，传说美术所犟调的意境，既不是客观物象的简单描摹，也不是主观意念的随意拼合，而是主、客观世界的统一，是画家通过“外师造化，中得心源”，在自然美、生活美和艺术美三方面所取得的高度和谐的体现。

意境的构成是以空间境象为基础的，是通过对境象的把握与经营得以达到“情与景汇，意与象通”的，这一点不但是创作的依据，同时也是欣赏的依据。绘画是通过塑造直观的、具体的艺术形像构成意境的，为了克服造型艺术由於瞬间性和静态感而带来的局限，画家往往通过富有启导性和象徵性的艺术语言和表现手法显示时间的流程和空间的拓展。如中国传统绘画中的散点透视、虚实处理、计白当黑、意象造型等，就是为了最大限度地展现时空境象而采取的表现手法。这些手法一方面使画家在意境构成上获得了充分的主动权，打破了特定时空中客观物象的局限，另一方面也给欣赏者提供了广阔的艺术想像的天地，使作品中的有限的空间和形像蕴含著无限的大千世界和丰富的思想内容。

从这个意义上讲，意境的最终构成，是由创作和欣赏两个方面的结合才得以实现的。创作是将无限表现为有限，百里之势浓缩於咫尺之间；而欣赏是从有限窥视到无限，於咫尺间体味到百里之势。正是这种由面到点的创作过程和由点到面的欣赏过程，使作品中的意境得以展现出来，二者都需要形像和想像才能感悟到意境的美。情与景是构成意境的基本因素，但意境中的情须是蕴理之情，是特定时代精神的折射；而景也不仅仅是一般的自然景观，同时也包括著能够触动人们情怀，引起生活回忆的场合、环境、人物和事件，这样才能使作品的意境在欣赏过程中得到社会心理上的认同和感情上的共鸣。意境审美特征浅论，冯永朝