岁寒三友图是指哪三个植物

[岁寒三友的诗句]岁寒三友的诗句 1、咬定青山不放松，立根原在破岩中；千磨万击还坚韧，任尔东西南北风。——郑燮《竹石》 2、空山新雨后，天气晚来秋。明月松间照，清泉石上流。竹喧归浣女...+阅读

岁寒三友图是指哪三个植物

梅；竹；松

岁寒三友指的是在冬季不受风雪影响而开花的梅花、在暴风雪中宁折不屈的竹子、在寒冬依然苍翠欲滴的松树。这三种植物被统称为“岁寒三友”。

《岁寒三友图》最先出自宋代赵孟坚，后来有不少人模仿绘画。该图放在今天，是有非常高的历史价值的，从艺术上，也有极高的艺术价值。岁寒三友指的是在冬季不受风雪影响而开花的梅花、在暴风雪中宁折不屈的竹子、在寒冬依然苍翠欲滴的松树。这三种植物被统称为“岁寒三友”。

岁寒三友的寓意是：松象征常青不老、竹象征君子之道、梅象征冰清玉洁。松是百木之长，经冬不调﹔竹，清高而有节，宁折不屈，开怀大度﹔梅耐寒开花，常被用于文人画中象征君子的高凤亮节。

松、竹、梅这三位仁兄之所以会“结伴为友”，追溯起来要去到北宋。东坡居士开垦荒地，在自家田边小屋的院子里种植了许多花木，且还惺惺相惜地将四季常青的松树、枝干挺拔的绿竹和冷艳报春的冬梅，称作与自己严冬相伴的三位好友。从此以后，这三位寒风中的斗士在古人眼中，便成了一个铁骨铮铮的“组合”。到深秋之后，百花皆谢，唯有松、竹、梅花，岁寒三友。同样生命旺盛，同样坚贞高洁，“松、竹、梅”因此而成为历代诗书画中最常见的题材。

引用怎样欣赏中国写意画

元代吴镇论画有云：＂墨戏之作，盖士大夫词翰之余，适一时之兴趣，与夫评画者流，大有寥廓。写意画讲究意，欣赏中国绘画创作应当按照南齐的谢赫的六条标准＂即六法，它们分别是：

1、气韵生动；

2、骨法用笔；

3、应物象形；

4、随类赋彩；

5、经营位置；

6、传移摸写。这里对六法的解释为：气韵生动：指创作上主题明确，表现真实，形象生动。骨法用笔：指描绘形象上的笔致与线条。应物象形：指选择题材的合度，观察与描绘对象要深刻细致与正确。随类赋彩：根据不同的描绘对象，准确而必要的著色。经营位置：指题材上的取舍与组织，画面的构思与安排。在欣赏中国写意画时要把握以下几个特点，如此才会从中得到艺术的享受。立意古人说作画必先立意，所谓立意就是画的主题。画家在作画之前应把意放在笔先，通过绘画来表达他对生活的看法，把自然景色和个人的感情结合在一起。如画梅就要把梅花迎风斗雪和耐寒的品格画出来，画菊要有傲霜的精神，画竹要亭亭玉立，虚心有节，蒸蒸日上。立意的生动是中国画内在美的流露，这里即有画家的主观因素，又有欣赏者的主观因素，所谓画家的主观因素就是画家对所描绘的客观自然景象的观察、感受、体验，并把感情移入其中。所谓欣赏者的主观因素，就是欣赏者在看画时所产生的想象和联想。因为欣赏者看画的角度不一样，以及欣赏者本人的文化修养素质的高下都决定着欣赏水平的高低。如当代画家李苦禅画的墨荷，水墨淋漓，洒脱奔放，开创了中国近代大写意的一代画风，看上去好像画家在横涂竖抹。可是在特定的空间和时间里它却常常显现出一种特定的性格。形与神形与神一直是中国画创作和欣赏所重视的问题，欣赏中国的写意画用自然景物作为标尺，是不全面的，追求表现对象的形体准确、逼真，并非写意水墨画的主要使命，写意画贵在得意，它不但写出对象的外形，更要写出对象的神情，同时也强烈地包涵着画家自身抒发的意境和意趣。只求形似，不是艺术。如动物和植物的标本挂图，可以画的非常准确，但没有人把它们挂起来欣赏。我们在欣赏中国写意画的时候经常看到画面的景物变形。这也是写意画通常运用的手段，变形犹如文学上的夸张手法如李白的诗句＂飞流直下三千尺＂，或平时人们激动时常说的心要＂跳出来＂了一样，它强烈、新奇但依然是自然而近情理。构图写意画的构图，通常要随手拈来而清新不俗。看一幅画的好坏应掌握两个主要方面的内容：①虚实：中国画里虚实关系可以说无所不在，贯穿在一种艺术的始终，没有虚实的辩证统一艺术就失去了节奏，失去了变化，失去了发展。宾主、疏密、轻重、大小、纵横、开合等等绘画法则，都是从虚实出发，根据虚实的要领进行构图处理的。以虚带实，以实带虚，虚中有实，实中有虚，虚实结合才产生无穷的变化来，有景为实、无景为虚，这是指画面上的虚实；有景、有情，有意化为虚，化虚为实，这是指创作者的构思与欣赏者的联想。②奇特：构图的不平凡总是发源于画家不平凡的构思。作为二十四番花信之首的梅花，先春而绽，傲霜斗雪，冰清玉洁，疏影清雅，暗香宜人。尝观陈简斋墨梅诗云：'意足不求颜色似，前身相马九方皋。此真知画者也＂。比如李煜的“清香更何用，犹发去年枝”，李清照的“浓香吹尽有谁知”，王安石的“墙角数枝梅，凌寒独自开”，陆游的“驿外断桥边，寂寞开无主”及“雪虐风号愈凛然，花中气节最高坚”等等。因了这些缘故，我对梅似乎多了一份敬而远之之心，使我对梅似乎有了另外一种感悟。可见艺术离不开奇思妙想，离不开艺术天地里特有的真实性。笔墨笔墨是中国写意画的主要特征，是由中国画有一套完整的笔墨工具所形成的。一幅画里笔和墨如同骨肉，不可分离，欣赏一幅画用墨水平高下，要看用墨是否灵活，还是呆板，用墨没有干湿、浓淡的变化，乱成一片，没有光彩叫做融会贯通墨，相反用墨灵活，变化多端，叫做活墨。笔墨是相通的，墨色在中国绘画里似乎能替代一切原色，比如梅兰竹菊多用墨色画线，如郑板桥擅长书法和绘画，相互参融，以画法作书，又以书法的笔法作兰花，风格明快劲峭。清人蒋士铨评曰：＂板桥作字如写兰，波磔奇古形翩翩；板桥写兰如作字，秀叶蔬花见姿致。＂这出神入化的水墨表现令人痴醉。成功写意画家的用墨使欣赏者懂得，一张水墨画的高下不但要看画家抖擞的气魄，更要看他透过随意的精心刻划而表现出的胆力和闪烁的魂灵。诗与画诗和画有姊妹艺术之称，看了一幅画就像读了一首诗。所谓＂诗中有画，画中有诗＂，是提倡诗和画都要追求一种美妙的意境，一幅成功之作，它给人的不只有景而且有情，有情与景的交融，这就是所谓一片自然风景是一个心灵的境界。写意画强调作者的个性发挥。作画不拘常规，肆意涂写.《郑板桥集补遣》金冬心画竹也是喜＂乱＂，曾言：＂用焦墨竿大叶，叶叶皆乱.＂写意画多以书法的笔法作画，同时写意画的用笔也极大地丰富了书法的表现形式，所以写意画家多半是书法学。以菊入诗，借菊花抒写品格、性情、魏晋陶潜以“采菊东篱下，悠然见南山”自怡，潇洒于归隐和超迈；而...