古典音乐一般怎么分类

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古典音乐一般怎么分类

1广义的古典音乐是指西洋古典音乐，那些从西方中世纪开始至今的、在欧洲主流文化背景下创作的音乐，主要因其复杂多样的创作技术和所能承载的厚重内涵而有别于通俗音乐和民间音乐。 2狭义的古典音乐是指古典主义音乐，是1750-1820年这一段时间的欧洲主流音乐，又称维也纳古典乐派。此乐派三位最著名的作曲家是海顿、莫扎特和贝多芬。 CLASSICAL MUSIC，中文翻译成“古典音乐”。有人认为＂古典＂给人的感觉有古董、古板的味道，故改称“经典音乐”。也有人根据牛津英文辞典里对古典的定义，in traditional and serious style，而称其为“严肃音乐”。于是，“古典音乐”又被戴上了“严肃”的帽子，让人更不敢靠近。但下此定义的人一定没有好好查字典，因为serious的第二条义项是这样给出定义的：（指书、音乐等）启发思考的，不仅为消遣的。因此我们知道原来古典音乐不同于流行音乐的地方是它内涵深刻，能发人深思，更能使人高尚，免于低俗。再来看一下朗文辞典对古典音乐的解释：music that people consider serious and that has been popular for a long time。可见，古典音乐是历经岁月考验，久盛不衰，为众人喜爱的音乐。古典音乐是一个独立的流派，艺术手法讲洗练，追理性地表达情感。当我们听到巴赫、贝多芬、莫扎特、舒伯特的音乐时，它带给我们的不仅仅是优美的旋律，充满意趣的乐思，还有最真挚的情感，或宁静、典雅，或震撼、鼓舞，或欢喜、快乐，或悲伤、惆怅...... 按广义的古典音乐定义：从17世纪到19世纪的专业音乐创作来看，印象派音乐和现代音乐皆不属古典音乐之类；若按严格的古典音乐定义，则古典是指海顿、莫扎特、贝多芬等人的音乐作品。中世纪时期（Medieval Period）(1450年前) 这一时期主要是罗马天主教会所保存的在教堂中广为演唱的单声部歌曲集。大多用于两种礼拜仪式：一是弥撒，歌词为纪念基督最后晚餐及其献身事迹，这是教堂仪式的中心；二是日课，就是修道院每天咏唱的八课圣事，主要以诗篇为主。推荐：GREGORIAN CHANT 巴洛克时期（Baroque）（约为公元1600—1750）这一时期的音乐是现代演奏会的先河。作曲家手下的巴洛克音乐带有显见的特性：华丽、复杂、藻饰、扭曲，著重于超现实和雄伟宏奇，这些特质都能彼此融会贯通。如果说文艺复兴时代（以及后来的古典时代）代表著井然的秩序和澄澈的表现，那么巴洛克时代（及后来的浪漫时代）就是代表著骚动、不安和疑虑。四声部的和声，以及加上文字指示和弦的「数字低音」（figured bass）都产生于巴洛克时代；旧有的教会调式消逝，大小调音阶系统和沿用至今的相关调性之崛起，是巴洛克时代大事。另外，节奏思想也在这个时代萌芽，也就是在音乐曲谱中加入小节线。这些形式日后直接衍生为奏鸣曲、交响曲、协奏曲、前奏曲与变奏曲。不过巴洛克时代也不乏一些自由的曲式--如触技曲、幻想曲、序曲和主题模仿（古幻想曲）。古典主义时期（Classicl）（约公元1750—1820）因为这一时期的三位代表性人物：海顿，莫扎特，贝多芬的生活与创作主要都在维也纳，因此又被称为“维也纳古典乐派”或“维也纳古典主义音乐”。此时期作家中，莫扎特的小夜曲、嬉游曲等都很具亲和力。海顿的第

一、二号大提琴协奏曲也会是很适合入门者欣赏的曲目。至于贝多芬的作品，轰轰烈烈的音响俯手可得，个人比较欣赏他的小提琴奏鸣曲《春》、钢琴奏鸣曲《悲怆》、《热情》、《月光》。浪漫主义时期（Romanticism）（约为公元1820—1900）这一时期的音乐更注重表达人的精神境界与主观感情，对自然景物的表现也愈加突出，创作上对民族和民间音乐的利用更加重视与频繁。19世纪中后期出现了以振兴本民族音乐为己任的民族乐派。在音乐体裁上出现了新的器乐独奏体裁，如夜曲，即兴曲，叙事曲，谐谑曲，幻想曲与无词歌等。此时期作品风情万种，各自独具特色，入门曲目有舒伯特艺术歌曲精选、《美丽的磨坊少女》；萧邦夜曲、钢琴协奏曲第二号；门德尔松小提琴协奏曲、钢琴协奏曲第

一、二号；华格纳歌剧序曲集；布拉姆斯交响曲第

一、三号；柴可夫斯基小提琴协奏曲第一号、钢琴协奏曲第一号；拉赫曼尼诺夫钢琴协奏曲第二号、《帕格尼尼主题与变奏》；拉罗《西班牙交响曲》；拉威尔钢琴协奏曲G大调。 20世纪的作品有布列顿的《青少年管弦乐指引》、《小交响曲》，斯特拉文斯基的《保钦奈拉》、《彼得洛希卡》，以及普罗科菲耶夫的钢琴奏鸣曲第七号、钢琴协奏曲第一号。在此推荐德国作曲家亨德密特的《韦伯主题交响变奏曲》.

古典音乐是如何命名编排的

Liszt - Pagnini Etude No. 3 (La Campanella) Evgeny Kissin 是李斯特帕格尼尼第三练习曲但你问道命名的原则这个问题是分很多种情况的，古典音乐中每一个时期都有不同的命名法则。主要看它是不是标题音乐。中世纪的音乐大多是宗教音乐，如格力高利圣咏，是教皇格力高利一世搜集整理而出的一套圣咏集，就用他的名字命名，具体里面的每一首，应该就是按作品号的调性来命名吧。这个没有具体的资料，我也不太清楚。巴洛克时期、古典主义时期的音乐大多数都是按调性+乐器+体裁来命名，巴赫的作品中尤其能体现这一点，因为他的作品严谨，所以后人一般都用原作品名。但是为什么我们现在看到在浪漫主义时期之前就有许多音乐有“名字”呢？这大多数都是后人给的俗称，或者根据作品特定的创作背景而名命。例如，巴赫在为勃兰登堡侯爵创作的六首协奏曲称作《勃兰登堡协奏曲》。维瓦尔第的《十二首小提琴协奏曲》的前四首，作曲家在每一段音乐前面都标注了有关春、夏、秋、冬四个季节的文字，因而被顺理成章地命名为《四季》。贝多芬的九部交响曲中我们熟悉的《英雄》、《命运》、《田园》、《合唱》，其实是三、五、六、九号交响曲。这些作品为什么会有名字呢，《降E大调第三交响曲》最初贝多芬在稿子的守夜上写着，献给拿破仑，后来拿破仑称帝，贝多芬因此撕掉原来所有的题词，改写成，献给一位“为纪念一位伟大的英雄而作”，因此得名《英雄》。《第五交响曲》，主题中有四个强有力的音符，他的弟子申德勒说“就象是命运在敲门一般”，这就是后来之所以如此命名的原因。《第六交响曲》是比较特殊的，是贝多芬作品里唯一明确有标题的作品，这个可以理解嘛，他晚年的创作基本上就是起到了古典主义和浪漫主义承前启后的作用。还有海顿，他的交响乐其实都是按作品号而来的，但因为有许多美谈，被大家纷纷予以“别名”，比如《惊愕》《奇迹》等等。但是以上这些都不是标题音乐，标题音乐，是指以文字或标题阐明作品思想内容的器乐作品，正是将他推上台面的是伯辽兹。标题音乐的命名就比较好理解了，到后来的印象主义时期，比如德彪西的《月光》就是根据诗人魏尔伦的诗来写的。另外，转一段专业性的命名法则。

1、体裁+主奏乐器+调性，多用于协奏曲concert、奏鸣曲sonata，如concerto for piano in E-flat major（降E大调钢琴协奏曲）有时或可写作piano concerto。有一点要注意，Concerto是意大利文，复数是concerti。其中的各个乐章movement多用节拍符号表示，另附在下面。

2、约定俗成的称呼+体裁，多用于一些知名度较大的作品或创作时名称不明确，后人起名的作品，或是圆舞曲。如巴赫的Brandenburg Concerto（勃兰登堡协奏曲）、 Englishi/French Suite（英国/法国组曲）、Goldburg Variation （哥德堡变奏曲），莫扎特的Jupiter Symphony（天神交响曲），施特劳斯的Emperor Waltz（皇帝圆舞曲）。

3、用国际通用编号，多用于作品丰富的大师级作曲家，如巴赫用BWV，维瓦尔第用 RV，莫扎特用K。有时对于某人的某一种体裁也可用No。或Op。编号，如莫扎特的 Piano Concerto No。21（第21钢琴协奏曲）。

4、用作曲家的作品集的名称，如巴赫的Musical Offering（音乐的奉献）、Art of Fugue（赋格的艺术）、The Well-Tempered Clavier（平均律钢琴曲集）。

5、应景而作的庆典音乐如亨德尔的Water Music（水上音乐），Royal Fireworks Music（皇家烟火）等。

6、歌剧opera、芭蕾舞剧、歌曲等大多使用表示剧情或歌词内容的名字，如门德尔松的 A Midsummer Night's Dream（歌剧仲夏夜之梦）、spring song （无言歌《春之歌》），著名的歌剧音乐多选自序曲overture，如罗西尼的 William Tell- overture（威廉·泰尔序曲），或咏叹调如罗西尼的Figaro's Aira（费加罗的咏叹调，选自塞维利亚的理发师）。早期歌剧、神剧（oratorio）的序曲称为sinfonia。

巴洛克时期和古典时期演奏风格的异同

主要特点：巴洛克时期的音乐力表现宏伟壮观，强调情感和戏剧性对比，同时充满装饰性和活力。演奏方面：巴洛克时期的乐谱，只写出两个外声部————亦即上面主乐器声部、以及伴奏乐器的最低声部，而实际上演奏这首曲子时，负责上面主乐器声部的大键琴或风琴等键盘乐器的演奏者，就以这个低声部为基础，依照记在那里的数字和记号，自由加上和弦演奏下去；而负责低声部的大提琴、或者古大提琴、低音管之类的低音乐器的演奏者，则重复这个低音部持续的演奏下去。如《d小调托卡塔与赋格》《无伴奏大（小）提琴组曲》《马太受难曲》古典时期的音乐则沿袭了巴洛克时期的体裁形式，如协奏曲，奏鸣曲……但是仍有一些区别。巴洛克时期的协奏曲多以一小组乐器为主奏（2-3个）或是有一个或几个乐器比较突出并有独奏段落，巴赫《勃兰登堡协奏曲》就是后者的典型。

古典时期则是大多独奏协奏曲，而且以钢琴小提琴为主。巴洛克时期的奏鸣曲以提琴演奏居多，还会有管乐器的奏鸣曲，如巴赫的《长笛奏鸣曲》《六首无伴奏小提琴奏鸣曲和帕蒂塔》。而古典时期则是钢琴居多，莫扎特写了18首钢琴奏鸣曲，贝多芬则写了32首。巴洛克时期使各种乐器得到完善，促进了各种器乐体裁形式的发展和规范。（本人知识不多，望能帮助你）...

古钢琴音乐史

钢琴乐器的发展与钢琴音乐创作的发展是相辅相成的。每一时代钢琴音乐的成就都与钢琴乐器的发展紧密联系着。追溯钢琴乐器发展的历史，能够使我们更好地了解和理解钢琴音乐作品的发展脉络，从而有益于我们准确地演绎不同时期，不同风格的钢琴艺术作品。击弦古钢琴和拨弦古钢琴是流行于十五至十八世纪西方音乐世界的早期键盘乐器，是现代钢琴的前身。与今天的钢琴相比，人们称它们为“古钢琴”。击弦古钢琴又叫楔槌键琴，在所有西方古乐器中是键盘及弦鸣乐器中最简单同时又是最微妙敏感和极富表情的。击弦古钢琴的历史可以追溯到十五世纪。早在1404年的一首名为《恋诗歌手的规则》的诗歌中就提到了它。1425年德国西北部一个叫名顿的地方，在祭坛背后的雕画中有它的图像。

约1440年。在阿劳特的手稿及德国音乐家菲尔东的论著《音乐精义》里，有它的结构图示和说明。现存的最早的击弦古钢琴，制造于1537年，保存在纽约大都会博物馆里；另一架琴是1543由多美尼科制造，现存在莱比锡、卡尔·马克思大学的乐器博物馆里。与击弦古钢琴同时代的另一类古钢琴就是上面提到的拨弦古钢琴，它又被称为羽管键琴。这类乐器由一个很大的家族组成，它们的形制不一，名称也很多。拨弦古钢琴有许多历史记载。最早的拨弦古钢琴是1397年在意大利东北部城市帕度亚，由一个名叫赫尔曼的手工匠人制造的。在制造原理方面，击弦古钢琴是根据测弦器的原理发展而成的。其发声机构主要由琴码、弦轴、琴弦、齿轨、楔槌、全弦固定制音结、销钉、琴键、平衡轨等部分组成。

其中，全弦固定制音结是击弦古钢琴的制音装置。这种制音结是用布条编织并固定在每一根琴弦上。由于制音结的作用，使得击弦古钢琴无论怎样击弦，琴弦都不是全段都发音的。击弦古钢琴的发音特点在于：若要使琴弦发音，就必须使全弦固定制音结与琴弦之间被隔断才能完成。而根据其构造，如要隔断全弦固定制音结，琴弦就被分隔成为发音和不发音的两段。只有不包含制音结的那段才能发音。因此，为了完成发音的过程，就必须借助楔槌这一发音工具。在楔槌敲击琴弦的瞬间，它首先会楔入琴弦，使得琴弦的一部分与全弦固定制音结之间被隔断。这时的楔槌同时相当于一个琴码或品的功能。之后，楔槌又在卡住琴弦的刹那，槌击琴弦。使琴弦上与制音结相对的那一段发生震动，发出琴音。

羽管键类乐器是由拨弦键结构的索尔特里琴再加上精巧的键盘机构后演化而成的。羽管键琴的发声原理与击弦古钢琴完全不同。其发声机构主要由琴码、琴弦、顶杆、顶杆滑动杆、低层导轨、琴键、琴键平衡轨等装置组成。在顶杆上又有制音器、拨子、舌片、鬃毛弹簧、和枢轴等精细结构。羽管键琴的机械核心是“顶杆”。即一根固定在琴键末端的细长木条。在顶杆的上端有一个开口。在开口处的枢轴上安装着能上下活动的木制舌片。羽管或皮革材质的拨子就固定在舌片上。当琴键被按动时。拨子随顶杆上升而去拨击琴弦，在拨击的刹那。制音器打开，使琴弦震动发音。当松开琴键时，顶杆下降，顺势而落的拨子迫使舌片绕枢轴向后转动直到它能通过琴弦。之后，紧贴舌片的鬃毛弹簧将舌片弹回原处。

与此同时，位于顶杆上端开口处的制音器也与琴弦发生紧密接触，在制音的同时，也制止了顶杆的继续向下滑动。这时，顶杆复归原位，等待下一次击键。两种古钢琴在使用和演奏风格上是有区别的。在漫长的历史沿革中，击弦古钢琴主要是作为一种音乐教学和学习用的乐器。它具有金属般的音色.在声音的变化上具有多样性，同时，可以非常容易地弹奏出如歌的效果。由于击弦古钢琴的音调变化多，许多作曲家发现它对于亲切的室内乐是一种得体的乐器。击弦古钢琴适于演奏序曲、奏鸣曲、托卡塔和组曲。J·S巴赫于1723年创作的二部和三部《创意曲集》，便是能够体现击弦古钢琴演奏风格的重要文献。人们在演奏中对歌唱风格的强调以及对力度细微变化的要，推动了击弦古钢琴曲目的创作。

适于击弦古钢琴演奏的曲目，在结构上通常是两段体；类型上以歌曲改编曲、小型舞曲、田园曲、回旋曲和练习曲居多；在情绪和风格上强调甜美和柔和。十七世纪的欧洲，除德国以外的其它国家，特别是英国、法国和意大利，人们更倾向于喜爱羽管键类乐器。许多作曲家如D·斯卡拉蒂，亨德尔等，都曾为羽管键音乐作曲。巴洛克时期的欧洲，羽管键琴不仅作为一种及其普遍的独奏乐器，而且还被用于在室内乐中弹奏数字低音，以及为歌剧和清唱剧中的宣叙调作伴奏。在法国作曲家创作的音乐中，羽管键琴的最佳性能得以完全地、鲜明地体现。法国作曲家的音乐小品极具羽管键琴的特色。柔和、轻快而明晰，富有丰富变化的色彩，旋律有大量的装饰音，对演奏者的钢琴技巧和艺术趣味要很高。

羽管键琴演奏家及作曲家D·斯卡拉蒂发展了双音、两手交叉、重复音、超过八度的琶音弹奏技术等等。拨弦古钢琴和击弦古钢琴各自都有自己的优缺点。