小提琴4根弦上的4个音分别是什么

[4个晚会趣味游戏]1、“天地花开”，场地中放置汽球若干（红、黄、蓝数量均等），天花板悬挂18个大汽球（红、蓝、黄各六个），每组抽三人参加比赛，红队踩红色的汽球，黄队踩黄色的汽球，蓝队踩蓝色的汽球，踩完地...+阅读

小提琴4根弦上的4个音分别是什么

分别是从粗到细：so re la mi

由一弦到四弦（最细的一根弦为一弦）分别为：

3（唱名：mi 音名：E）

6（唱名：la 音名：A）

2（唱名：ri 音名：D）

5（唱名：sol 音名：G）

最细的那根线算第一根弦，然后到最粗的那根依次是第234弦。第一根弦第一个手指头是fa，第二个手指头是so，第三个手指头是la，第四个手指头是xi. 第二根弦第一个手指头是xi，第二个手指头是do，第三个手指头是ruai，第四个手指头是mi.

第三根弦第一个手指头是mi，第二个手指头是fa，第三个手指头是so，第四个手指头是la. 第四根弦第一个手指头是la，第二个手指头是xi，第三个手指头是do，第四个手指头是ruai. 这是第一把位先学会第一把位吧。其他的再慢慢学。

扩展资料

由来：现代意义上的小提琴（或者叫提琴族乐器）起源于17世纪意大利。但提琴族乐器有许多明确的前辈。其中包括欧洲风靡一时的维奥尔琴（或称古提琴族）乐器。早期这种用弓弦配合演奏的乐器应该起源于古希腊或小亚细亚地区。

阿拉伯和北印度地区也有类似的乐器。所以，如果探弓弦乐器的起源应该在东地中海沿岸地区。而以四根弦组成，并且基本以12平均律为基准的现代提琴应该是17世纪的意大利。

起源：谈到小提琴的起源，就必然要涉及古提琴原始设计者的艺术观点和技术方法。现代的数学是技术学的工具，但在文艺复兴时期数学是艺术的启蒙。比例和序列是美学研究的要素，并且为所有的艺术家所采用。大师级的小提琴制作者，不仅仅是个方法学家，而且是个真正的艺术家，小提琴的整体协调和一致主宰着整个设计。

小提琴的外形可以认为是由许多弧形线条构成的，用圆弧可以近似地画出小提琴轮廓的草图，但也并非都是圆弧。原始设计者先用圆规画出各段相联的弧，再用艺术的眼光修正和弯曲成最终形状的弧线。用笔和刀在制作时修改图样，修光修滑一条由足够数量的圆弧所构成的曲线。

小提琴顶部和底部的曲线，就是采用经典的设计桥拱的方法设计的，也有人认为像篮子提把的形状。琴板弧度的形状像垂链线，旋首则是仿照古希腊柱子上优美的螺旋形设计的。当然，除去使用圆弧之外，也可能采取一些其他的线条。

参考资料：小提琴-搜狗百科

QQ音乐的均衡器要怎么调节

。 qq音乐的均衡器里面有自带各种类型配置的，比如电子乐，摇滚等。我喜欢自己调节的配置（见图片），这样声音更加真实一些，你可以试试！下面的数字是声音的频率，比如125就是125赫兹，4K就是4000赫兹。下面简单说明了各种频率声音的特点，更具体的可以去百科“均衡器”词条。你可以根据这些自己的爱好做一些调整哦，比如你喜欢重低音的话就把125的调高一点。频率段（Hz）: 16k-20k 听感影响：这段频率可能很多人都听不到，因此，听不到此段频率并不意味着器材无法回放，当然也不代表您的听力不够好，只有很少人可以听到20kHz。这段频率可以影响高频的亮度，以及整体的空间感，这段频率过少会让人觉得有点闷，太多则会产生飘忽感，容易产生听觉疲劳。代表性的乐器：电子合声、古筝钢琴等乐器的泛音。

频率段（Hz）: 12k-16k 听感影响：这段频率能够影响整体的色彩感，所谓小提琴的“松香味”就是由此段频率决定的，这段频率过于黯淡会导致乐器失去个性，过多则会产生毛刺感，在后期处理的时候，往往会通过激励器来美化这段频率。代表性的乐器：镲、铃、铃鼓、沙锤、铜刷、三角铁等打击乐器的高频泛音。频率段（Hz）:8k-12k 听感影响：8~12kHz是音乐的高音区，对音响的高频表现感觉最为敏感。适当突出（5dB以下）对音响的的层次和色彩有较大帮助，也会让人感到高音丰富。但是，太多的话会增加背景噪声，例如：系统（声卡、音源）的噪声会被明显地表现出来，同时也会让人感到声音发尖、发毛。如果这段缺乏的话，声音将缺乏感染力和活力。代表性的乐器：长笛、双簧管、小号、短笛等高音管乐器。

频率段（Hz）:4k-8k 听感影响：这段频率最影响语音的清晰度、明亮度、如果这频率成分缺少，音色则变得平平淡淡；如果这段频率成分过多，音色则变得尖锐，人身可能出现齿音。这段频率通常通过压限器来美化。代表性的乐器：部分女声、以及大部分吹奏类乐器。频率段（Hz）:2k-4k 听感影响：这个频率的穿透力很强。人耳耳腔的谐振频率是1∽4KHz所以人耳对这个频率也是非常敏感的。如果空虚频率成分过少，听觉能力会变差，语音显得模糊不清了。如果这个频率成分过强了，则会产生咳声的感觉。2~4kHz对声音的亮度影响很大，这段声音一般不宜衰减。这段对音乐的层次影响较大，有适当的提升可以提高声音的明亮度和清晰度，但是在4kHz时不能有过多的突出，否则女声的齿音会过重。

代表性的乐器：部分女声、以及大部分吹奏类乐器。频率段（Hz）:1.2k 听感影响：1.2kHz可以适当多一点，但是不宜超过3dB，可以提高声音的明亮度，但是，过多会使声音发硬。频率段（Hz）:1k 听感影响：1 kHz是音响器材测试的标准参考频率，通常在音响器材中给出的参数是在1 kHz下测试。这是人耳最为敏感的频率。频率段（Hz）:800 听感影响：这个频率幅度影响音色的力度。如果这个频率丰满，音色会显得强劲有力；如果这个频率不足，音色将会显得松弛，也就是800Hz以下的成分特性表现突出了，低频成分就明显；而如果这个频率过多了，则会产生喉音感。如果喉音过多了，则会失掉语音的个性，适当的喉音则可以增加性感，因此，音响师把这个频率称为＂危险频率＂，要谨慎使用。

代表性的乐器：人声、部分打击乐器。频率段（Hz）:300-500 听感影响：在300-500Hz频段的声音主要是表现人声的（唱歌、朗诵），这个频段上可以表现人声的厚度和力度，好则人声明亮、清晰，否则单薄、混浊。代表性的乐器：人声。频率段（Hz）:150-300 听感影响：这段频率影响声音的力度，尤其是男声声音的力度。这段频率是男声声音的低频基音频率，同时也是乐音中和弦的根音频率。在80-160Hz频段的声音主要表现音乐的厚实感，音响在这部分重放效果好的话，会感到音乐厚实、有底气。这部分表现得好的话，在80Hz以下缺乏时，甚至不会感到缺乏低音。如果表现不好，音乐会有沉闷感，甚至是有气无力。是许多低音炮音箱的重放上限，具此可判断您的低音炮音箱频率上限。

代表性的乐器：男声。频率段（Hz）:60-100 听感影响：这段频率影响声音的混厚感，是低音的基音区。如果这段频率很丰满，音色会显得厚实、混厚感强。如果这段频率不足，音色会变得无力；而如果这段频率过强，音色会出现低频共振声，有轰鸣声的感觉。代表性的乐器：大鼓、定音鼓，还有钢琴、大提琴、大号等少数存在极低频率的乐器。频率段（Hz）:0-60 听感影响：这段频率影响音色的空间感，这是因为乐音的基音大多在这段频率以上。这段频率是房间或厅堂的谐振频率。这段频率很难表现，在一些HiFi音响中，不惜切掉这段频率来保证音色的一致性和可听性。

如何训练对音阶音符的听力识别

呵呵，“听说受过专业训练的人……”这一句，让人觉得能记谱的人很神秘，像神仙一样离我们很遥远（我因此一瞬间臭美起来了……），其实可以听歌记谱的人太多了，只是相对于中国的人口来讲，比例很低，这只能怪我们基础教育中对音乐美术的偏废太严重了，实在是已经到了令人气愤的地步！！行了，不感慨了，言归正传……

楼主想要达到的听歌记谱，属于音乐的基本功——“视唱练耳”中的一部分。可以这样说，它是“视唱”熟练后自然可以达到的一种水平，也是“练耳”的低级要。所谓“视唱”，就是看谱唱，是从谱到音的过程，练耳与此相反，是从音到谱的过程。

要想听到歌就记出谱，就要听歌者对音程、调式等内容掌握得非常好，达到一种不用想、类似条件反射的程度，因此，也就要听者首先要对视唱非常熟练。如果一般的歌曲的曲谱（可以是简谱）做不到拿来即唱，想要听歌记谱是非常困难的。

所以，练记谱要先练视唱。视唱练耳是一件实践性很强的事儿，最好有一个好的老师，这是最快的办法。

如果你学简谱视唱，则重点在于建立调式的感觉，从哪个调练起不是太重要，因为简谱是首调，不反映调高，只在谱前标一下而已。关键要练习一个调内的音程关系，以及音之间的排列组合（这些再加上节奏其实就是歌了）。并且要在大量的练习中寻找调式的感觉（这对以后的记谱很有好处，可以保证以后不出现将5671记成1234的情况）。

练习，当然从最基础的音阶开始，先把12345671唱准再说，这个听来简单，但随着你耳力的提高，你会不断地发现自己连音阶都总是唱不准，这是初学时必经的一个阶段。当然，总是练习音阶会很乏味，12345671之外，可以慢慢扩展到与音阶相关的一些条目（比如132435465761……）等等，这些内容一般教材都会有。之后，再辅以一些更有难度的，针对音程的练习（比如1#1121#213141#4151#516……一个八度内所有音程都唱到，先上行，再下行，很枯燥，但很有效），来巩固音程的概念。对于歌曲的“实战”，可以找一首你已经会唱的歌的谱子，按识谱的要来唱，由于你头脑中对其有概念，因此会容易很多，也会相对快一些地建立音程和调式的观念，但不能总唱会的，要从会的扩展到不会的。当然，这些要建立在相当牢固的基础练习之后。

具体的方法，当然找个会的人教你最好，如果没有，效果一般不太好，但也有凑合的办法。首先，需要一个音准的乐器比如吉它（前提是你能调准它），最好是键盘乐器，因为键盘乐器不容易跑。其实投入也未必很大，在网上找一个虚拟电子琴之类的小软件即可，又不用花钱，比钢琴还准，还永远不会跑音。在一开始基础练习的时候，需要有键盘乐器帮忙校准你的声音。另外，最好有一个可以录音的设备，比如电脑，或者MP3，或者录音机什么的都行。根据我的实践经验，初学者耳朵的进步常常要远快于嗓子，也就是说，你的听有音准的东西听多了，听的水平会比唱的水平提高得快。利用这个特点，你可以把你自己练习的视唱条目录下来，然后放给自己听，也许唱的时候不觉得有问题，但听的时候，问题就显现出来了，这样自己给自己当老师，也是一个将就的办法。

简谱视唱熟悉到以下这个程度：一般流行歌曲的曲谱，看到后，第一遍慢识，第二遍原速，第三遍加词完成。这个时候，如果天赋或感觉好的话，听歌记谱就成为一种自然的能力了，不需要练习也可以了。

对于听歌记谱的专门练习，其实也简单易行。如果视唱已经熟练，调式感已经建立，那么就找一首会唱而不知道谱的歌曲，从第一个音和第二个音的关系开始，依次地推断每相邻两音的音程关系。具体的办法就是，先唱前两个音，将它们之间的音程距离同你以前练习视唱时唱过的音程相比较，看哪个合适，依次这样下去，会得出一个首调谱，但这样推定的未必正确，因为36和25的关系是一样的，音程相同的两音很多，最开始两个音的选择将直接影响全曲记谱准确性。要解决这个问题，要依靠良好的调式感觉，这种感觉是在大量的视唱练习中培养出来的。

总之，听歌记谱是在依靠过硬的视唱功底的，如果不能熟练的视唱，记谱无从谈起，所以要把视唱练好，记谱无师自通。

在这件事情上，大人与小孩的差异可能更多地表现在大人练习的时间没有保证，孩子的时间相比较更有保证一些。其它方面差别不大。如果能保证每天一小时左右的练习，一般人（指完全没接触过音乐，不识谱的人），有两三年的时间应该足够可以达到目标了。

古筝的上下滑音和固定按音有没有什么练习技巧

古筝技法的一些领悟在练习的过程中有了一些领会。再来和各位筝友交流一下：1.古筝在触弦时讲究手指的爆发力，也就是很突然的发力再放松的感觉。如果感觉不对。单纯的理解为突然很用力的拨弦，那就会发出硬绑绑的声音。其实更多的要注重内心的体会。还是要提到静心的一个感觉。在弹大撮时更容易找到爆发力的感觉。把手放在指定的位置后，内心是放松的，但一定要感觉所有的力量都到了手指尖上后才开始弹。这种内心的意会一定要有。然后迅速的发力。一定要用指尖来弹才会发出好听的声音。练习琶音时也是同样的。如果手没摆好，没有准备的就匆忙的去拨弦，弹出的音效是不好听的。音也不会清晰和均匀。还是两个字：慢练。一定要把手形摆好了后，然后内心有所意会，即所有的力聚集在指尖上了才弹，这样才容易逐渐的找到感觉。

当然找到感觉后，正确的爆发力就成了一件自然的事了。2.弹曲子前的准备和曲中音之间衔接的准备都是必不可少的。如果等到弹到那个音才去想，这里该用什么指法，那是不行的。想想其实弹曲子就好象拼图。把每一个块都正确的拼上去了，才会显出美丽的画面来，任何一个细节都会导致整体的不完美。所以，也许你觉得手型不是那么重要，到了一定的阶段，你也能弹出高级以上的曲子，但外观上看就不那么美观了。其实每种乐器都一样，每个老师的教法也不同，常在网上视频看见就连中音的一些教授弹出的手形也不一定好看。手形也千差万别。虽然都能弹同级别的曲子，但整体来看就千差万别了。就好象衣服穿上都能御寒，但漂亮的衣服穿上又会别有一番风景了，所以我认为初期阶段一定要追一个标准的手形和弹奏方法。

等练到一定的火候，手形。意境便可随心所欲的变幻形成自己独有的风格了。比如坐姿，弹曲之前的起手姿势，表情。。其实太多的细节需要学习了。那次看到一个女孩弹了一首曲子，人很漂亮，曲子也弹得很不错。意境也有。但只有一个细节没做好，让人看到就觉得总差了点什么。在弹曲的过程中她的身体始终处于歪斜状态。这就是坐姿的问题。初期阶段基本功不扎实的时候，一个细节都会影响整首曲子的质量。有的人坐在琴凳上处于后仰姿态，除了导致姿态不美之外，身体的发力点也不是靠前的，就好象你端一根凳子，是后仰着能轻松的端起，还是前倾的力量更容易呢？所以不要小看这些细节。基本功没到一定的火候，千万不要加入莫须有的动作和自我的姿态，你得相信象朗朗那样的倾情弹奏绝不是一个连手指都还站不稳的初学者能做到的随心自如。

先一步一步的走稳了，才有可能跑，跳和做出其它的姿势。3.为什么人家能弹快，我不能呢？其实问题有几个：1.基本功没到一定火候，弹快了手就僵，僵了的东西是动不了，就象手变冷了，动作自然就减慢了，只有暖和起来，才能自如的加快。所以多练习基本功和时间的积累是必不可少的，忙是忙不了的。2.任何一首曲子都需要在慢-快-慢-快这样的反复分解的练习中才可以达到速度的。3.曲中很快的快板部份，要弹得几乎闭着眼都能找到位置了才快得起来。也就是熟悉到手能很自然的就摆那个音去了，根本没有空余的时间去想哪根弦。如果每个音都能去想，就绝对快不起来的。弹的时候心中就只有一串连贯的音符，而在对曲子的走向熟悉到不能再熟悉的过程后，手指就如一种贯性，很自然的就放那里去了。

就象走路，左脚走了就会换右脚，很自然的事。不需要去多想。一句话曲子要熟悉到不能再熟悉。4.曲子强弱的转换不一定只在单独的左手或右手上。就象两只手握在一起做波浪形一样。时高时低（左右手等同于曲子的时强时弱）有时是从左手传递到右手去的，左手弱下来，右手又强起来，突出重点，音乐听起来才会更多彩。当然这个也需要对曲子的细节反复练习和基本功的扎实才能做到并很好的去控制它。5，不要单独的去强调快，而不考虑到音色和音的清晰度。就好象渔舟唱晚的快板部份。有的人虽然能很快了，但音域听来一片模糊。虚有其表，毫无美感可言。但在强调音的清晰度时，又不能把音符弹成一个个太独立的音了，那样就显得呆板，虽然由单个音符组成，但音乐应该是柔和的。

是具有旋律感的。就象走路。自然的摆动。如果太强调每一步的姿势，就变成了机器人。呵呵。6。曲谱上常标注有强弱的记号F或P等。但不是说一下就强起来或是一下就变弱了。都是一个渐进的过程。当然排除某些曲中情绪的突然转变。但一定得有明显的对比才能体现强弱的表现力。弱一定要弱下去，强也一定要强起来。音乐才好听。不然就听不出，都是一个感觉。7.在弹奏的曲中，一定要用音位来更好的表现曲意，弹奏的位置不是始终处于靠前岳山一掌的位置的。靠右边弹奏音色会显得很硬。左边就显得柔和一些，需要根据曲意来分配每个音符应该处于的位置，曲子中有的地方需要硬朗的感觉，有的地方则需要柔美的感觉。这样一钢一柔才更具有表现力。就如春有百花，夏有月，秋有落叶。

冬有雪。姿态万千，各有美态。拘泥于一种感觉。乐曲便少了很多色彩。8.入境：在学琴的过程中。如果能涉足其它的艺术门类就更好了，比如书法，绘画。...